17 de julio de 1932 - 30 de septiembre de 2020
La vida de un genio.
miércoles, 30 de septiembre de 2020
sábado, 26 de septiembre de 2020
Nicanor y Violeta Parra
Cronos
En Santiago de Chile
Los
días
son
interminablemente
largos:
Varias eternidades en un día.
Nos desplazamos a lomo de luma*
Como los vendedores de cochayuyo:
Se bosteza. Se vuelve a bostezar.
Sin embargo las semanas son cortas
Los meses pasan a toda carrera
Ylosañosparecequevolaran.
*(Luma: Árbol de Chile muy robusto)
Nicanor Parra , con su estilo, creó una tendencia a la que se llamó “antiposía”. No significa la negación de la poesía, sino que huyó de todo lo que llamaba “excesos retóricos”, centrándose en lo coloquial y realista siendo directo y mordaz en ocasiones. Fue nominado para el Premio Nobel.
Nació en año 1914 y murió en el 2018, más de 100 años que le dieron una vida llena de acontecimientos, enriquecidos desde su infancia con una familia bohemia con la cual cambiaba frecuentemente de lugar y dentro de la pobreza.
Vivió dos guerras mundiales, épocas de dictadura, de democracia, de golpes militares.
Se graduó en la Univrersida de Chlie como profesor de matemáticas y estudió cosmología en Londres donde conoció a quien sería su esposa, Inga Palmen y con quien regresó a Chile .
Viajó invitado a EE.UU, Perú, Mexico, Panamá donde dictaba conferencias y asistía a talleres. Luego emprendió viajes a Moscú, Roma, Madrid, Fue invitado a Pekín y pasó por Suecia.
Vivió la “Guerra Fría” y la dictadura militar de Pinochet donde evitó represalias, apartando la antipoesía y dedicándose a otros proyectos y así hasta el regreso a la democracia, donde siguió con su vida inquieta llena de hechos y proyectos. En fin una existencia larga y repleta de acontecimientos, actividad y publicaciones.
Como homenaje a sus 100 años se celebró una exposición de la vida íntima visual desde su infancia hasta el entorno íntimo con sus mujeres, hijos, incluso la relación con su hermana Violeta, a través de documentales, vídeos y fotografías.
Una de las tantas biografías:
https://ediciones.udp.cl/libro/nicanor-parra-rey-y-mendigo/
Violeta Parra, llevó una vida más complicada y mucho más corta que su hermano. Gran folklorista que llevó la música chilena a distintas partes del mundo.
Dentro de un hogar lleno de privaciones económicas, sufría constantes enfermedades incluyendo la viruela.
Empezó a tocar la guitarra a los 9 años y a los doce ya componía.
Tuvo que abandonar la escuela normal para trabajar en el campo y cantando en posadas, circos, trenes, etc.
Se casó, tuvo dos hijos que adoptaron el apellido Parra al iniciarse en la faceta artística. Se divorció. Formó parte de grupos o como solista y ya luego creó con su hermana el dúo Parra, donde comenzó la defensa al folklore chileno.
Viajó al exterior y se consagró en París. También se dedicó a la cerámica, la pintura; impartía cursos de folklore. Viajó por gran parte del mundo con una enorme actividad.
Tras varios intentos de suicidio, un 5 de febrero de 1967 lo hace definitivamente con un tiro en la cabeza en su carpa La Reina.
En la última carta a su hermano Nicanor, deja este enigmático mensaje:
“Yo no me suicido por amor, lo hago por el orgullo que rebalsa a los mediocres…” “Dice por ahí que los Parra son cortados a una misma tijera. El que lo dice debe haberlo cortado por un serrucho…”
¿Dice, quién?
Todo tan distinto a su “Gracias a la vida"
lunes, 7 de septiembre de 2020
No puede acabar lo que es eterno
"No, no puede acabar lo que es eterno, ni puede tener fin la inmensidad".
Rosalía de Castro
Rosalía de Castro nació en la madrugada del 24 de febrero de
1837 en una casa localizada en el margen derecho del Camiño Novo, la antigua
vía de entrada a la ciudad de Santiago de Compostela para todos aquellos
viajeros procedentes de Pontevedra.
En su partida de nacimiento figura como "hija de padres
incógnitos", pero no llegó a entrar en la Inclusa al hacerse cargo de ella
su madrina María Francisca Martínez, fiel sirviente de la madre.
Rosalía era hija natural del sacedorte José Martínez Viojo
(1798-1871) y María Teresa de la Cruz Castro y Abadía (1804-1862), una hidalga
soltera de escasos recursos económicos.
http://www.cervantesvirtual.com/portales/rosalia_de_castro/autora_biografia/
En abril de 1856, se trasladó a Madrid y dos años
después se casó con Manuel Murguía. Dio a luz a siete hijos. Adriano, el cuarto
murió en una caída y la menor, Valentina, nació muerta.
Esto junto con la muerte de su madre significó un duro golpe
en su ya delicada salud y penurias económicas.
La pobreza, el ambiente siempre nuboso y con lluvias también
perfilaron en cierta medida su fragilidad y aspecto melancólico que se tradujo
posteriormente en una literatura real con los pueblos de campo y mar y una
visión metafísica que contribuyó al enriquecimiento literario y que la ha
mantenido siempre viva e intacta a través del tiempo a pesar de una muerte
prematura.
viernes, 26 de junio de 2020
Pandemia en la sombra
Qué es qué. Quién es qué. Dónde está el qué.
El qué que planea. El qué que ejecuta. El qué que domina.
Qué quería el qué. Qué fabricó el qué y por qué. Qué esconde el qué.
Qué mata el qué. Qué nombre buscaba para las esquelas. Qué edad definía el qué.
Qué vacuna premeditaba el qué y para qué. Qué significa mil millones de vacunas por el qué que ya conocían el qué. Simulaciones de qué que crearon el qué.
Qué será del qué.
Qué mata el qué. Qué nombre buscaba para las esquelas. Qué edad definía el qué.
Qué vacuna premeditaba el qué y para qué. Qué significa mil millones de vacunas por el qué que ya conocían el qué. Simulaciones de qué que crearon el qué.
Qué será del qué.
martes, 31 de diciembre de 2019
lunes, 23 de diciembre de 2019
"Este es el mensaje de Navidad: nunca estamos solos. "
Taylor Caldwell
Ojalá sea una realidad...
Aunque para algunos no representaba lo que muchos suelen conmemorar:
Dice Daniel Morales Olea :
Charles Bukowski encontró en su vida una tragedia; y en esa tragedia, una historia. Sus novelas relatan su vida, la triste y miserable vida (por muchos años) que lo llevó a tener los pensamientos más pesimistas y misántropos que la gente haya escuchado jamás. Un romántico abusador, un tierno alcohólico. Bukowski no fue la mejor persona, pero entre la poesía y la novela, el estadounidense nacido en Alemania dejó una de las mejores pruebas de que la literatura no siempre debe ser esa perfecta armonía estética, más bien debe ser un golpe en la quijada, o mejor dicho por él, "música de cañerías"
jueves, 19 de diciembre de 2019
Joaquín Sabina a Amparo Muñoz
El accidente mortal ayer de Patxi Andion, me llevó a repasar su vida y su obra y, con su primer matrimonio, con Amparo Muñoz, fui encadenando la vida tan difícil de ella hasta llegar a Sabina y esta poesía suya a su muerte:
Desamparo Muñoz
I]
La belleza frutal hirió de coz
mortal a otra princesa de barriada,
Miss Universo, Venus descarriada,
metáfora brutal de un siglo atroz.
mortal a otra princesa de barriada,
Miss Universo, Venus descarriada,
metáfora brutal de un siglo atroz.
Febrero quiso que Amparo Muñoz,
la malquerida, la tridivorciada,
la desamparo, la desamparada,
pusiera crisantemos en mi voz.
la malquerida, la tridivorciada,
la desamparo, la desamparada,
pusiera crisantemos en mi voz.
Prófuga de palabras y de besos,
aguafuerte sin panes y sin peces,
la muerte estaba loca por sus huesos.
aguafuerte sin panes y sin peces,
la muerte estaba loca por sus huesos.
Al cine se asomó, aunque menos veces
que a las páginas malvas de sucesos.
Descansa en paz que al fin se lo merece.
que a las páginas malvas de sucesos.
Descansa en paz que al fin se lo merece.
II]
Con Saura, Querejeta y con Fernando
León pudo venirse un palmo arriba,
pero ella no encajaba en casta diva,
le bastaba sufrir para ir tirando.
Con Saura, Querejeta y con Fernando
León pudo venirse un palmo arriba,
pero ella no encajaba en casta diva,
le bastaba sufrir para ir tirando.
Primavera de párpados temblando,
verano de carmines con saliva,
otoño de un invierno a la deriva
que tiene a los jazmines blasfemando.
verano de carmines con saliva,
otoño de un invierno a la deriva
que tiene a los jazmines blasfemando.
Flavio Labarca, Víctor, Patxi Andión,
renglones del danzón del desengaño,
afrodita del solo de bordón,
renglones del danzón del desengaño,
afrodita del solo de bordón,
golondrina sin nido, sueño huraño,
milagro de la carne de cañón,
prisionera en un mapa tan extraño.
milagro de la carne de cañón,
prisionera en un mapa tan extraño.
Joaquín Sabina
domingo, 15 de diciembre de 2019
domingo, 5 de mayo de 2019
Aprender a volar como mujer junto a la pareja e hijos
Me gusta la
brevedad, me dijo; sólo te amaré lo que dure la vida.
Begoña Abad de la
Parte (Villanasur del Río Oca, Burgos, 24 de
marzo de 1952.)
«Escribir
era tan natural como respirar, pero otra cosa era compartirlo, hacerlo visible,
hacerme yo visible». También dice que no es poeta sino que «está poeta»
En el libro “Cómo
aprender a volar” transmite su propia experiencia: Durante cincuenta años
Begoña vivió una vida que —ha explicado— «no era la suya», como madre y esposa
abnegada sujeta al papel que la historia ha reservado siempre a las mujeres.
Sólo en la
poesía, que era su refugio, conseguía vivir. «A los cincuenta me nacieron
alas», dice en un poema. Es el momento en el que logra la independencia
económica y consigue un trabajo en una portería de Logroño y una vivienda en el
último piso del edificio, desde donde puede ver los tejados de la ciudad.
Abad defiende su profesión de portera, «de
abridora humilde de puertas y de almas», de «artesana de la palabra» que
«modela la vida a diario», mientras se deja sorprender por esta «experiencia
fascinante que supone el hecho de estar viva».
Fuente: WikipediA
Editorial: OLIFANTE
EDICIONES DE POESIA
Año de edición: 2012
Interesante DOC
sobre Begoña Abad:
Elvira Lozano
(Zaragoza, 1975), periodista y poeta acompañó a Begoña Abad en la presentación
de 'Cómo aprender a volar' en La Pantera Rossa, que incluyó la lectura de
poemas:
domingo, 21 de abril de 2019
Notre Dame y Víctor Hugo
La catedral de
Notre Dame, que el lunes 15 de abril de 2019 sufrió graves daños a causa de un
devastador incendio, es sin duda uno de los edificios más emblemáticos de París.
Pero además de
haber sido una atracción turística que era visitada cada año por más de 13
millones de personas y que albergaba reliquias de incalculable valor, ha sido a
lo largo de sus más de ocho siglos de historia objeto de numerosas leyendas y
escenario de importantes obras literarias.
La obra más
conocida es "Nuestra Señora de París", del escritor
francés Víctor Hugo, publicada en 1831 y que cuenta la historia de Quasimodo,
el jorobado que cuida de las campanas de la iglesia.
Según la experta
en literatura francesa y profesora emérita de la Universidad de Princeton,
Suzanne Nash, la obra de Víctor Hugo "tuvo in impacto tan dramático en la
actitud del público francés hacia el patrimonio que ese mismo año el gobierno
estableció la Comisión de Monumentos Históricos".
La obra está
ambientada en el siglo XV en París y describe la vida medieval en la capital
francesa bajo el reinado de Luis XI.
El protagonista
de esta historia es Quasimodo, un hombre sordo y deformado por una joroba
en su espalda cuyo trabajo es ser el campanero de la catedral de Notre
Dame.
Termina
enamorándose de Esmeralda, quien se apiada de él después de que fuera humillado
y golpeado por una multitud de personas.
Cuando el
archidiácono de la catedral, Claude Frollo, quien también está obsesionado con
Esmeralda, descubre que ella está enamorada del capitán Febo, apuñala al
capitán y la mujer es acusada de ser la autora del ataque.
Quasimodo intenta
proteger a Esmeralda en la catedral, pero finalmente ella termina en la
horca.
Dolorido y
desesperado, Quasimodo arroja a Frollo desde una de las torres de la catedral.
Al final de la
historia, en la tumba de Esmeralda se encuentran dos esqueletos: el del
jorobado abrazando a una mujer.
Fuente: News
Construida entre
1163 y 1345 en la Île de la Cité, Notre Dame (Nuestra Señora) de París es una
de las catedrales góticas más antiguas y la tercera más grande del mundo,
después de la de Colonia (Alemania) y Milán (Italia).
En sus ocho
siglos de historia, Notre Dame ha tenido que ser reformada en varias ocasiones.
Pero fue durante
la Revolución Francesa (1789) que sufrió los daños más serios hasta el incendio
del 15 de abril de 2019.
En este periodo,
los revolucionarios destruyeron estatuas de la galería de reyes y de los
portales, y desmantelaron una aguja del siglo XIII.
Saquearon el
edificio por considerarlo "un símbolo del poder y de la agresión de la
Iglesia y la monarquía".
Arrancaron el
plomo del techo para fabricar balas, fundieron las campanas de bronce para
hacer cañones y destrozaron muchas de las ventanas.
Hacia fines del
siglo XVIII, el templo había quedado convertido en "una sombra" de su
época gloriosa.
Notre Dame volvió
a las manos de la Iglesia católica en 1801, pero nadie detuvo el deterioro.
Hasta que en
1831, Víctor Hugo publicó la novela romántica "Nuestra Señora de París”..
En la época en
que el autor francés escribió el libro, "los parisinos consideraban que
los edificios medievales eran vulgares, deformaciones monstruosas", según
explica el escritor y arquitecto Richard Buday en un artículo de 2017 en la
página web Arch Daily.
Según Kelly
Richman-Abdou, guía turística por museos de París, a principios del siglo XIX,
"aburridos del estilo gótico y abrazando la arquitectura barroca, los
parisinos solicitaron la demolición de la catedral en ruinas", escribió en
el sitio de noticias arquitectónicas My Modern Met.
Pero la novela "Nuestra
Señora de París" lo cambió todo.
El libro
"tuvo un impacto tan dramático en la actitud del público francés hacia el patrimonio,
que ese mismo año, el gobierno estableció la Comisión de Monumentos
Históricos", según la experta en literatura francesa y profesora emérita
de la Universidad de Princeton (EE.UU.) Suzanne Nash.
Ante el clamor
popular, el rey Luis Felipe I ordenó en 1844 la restauración del monumento.
Los arquitectos
Eugène Viollet-le-Duc y Jean-Baptiste Lassus asumieron el proyecto. A partir de
1857, tras la muerte de Lassus, Viollet-le-Duc, quedó como único encargado.
La restauración,
que se extendió hasta 1864, consistió en la construcción de una nueva aguja
central, una nueva sacristía, de un nuevo órgano y la instalación de nuevas
estatuas y vitrales, entre otras reformas.
También añadieron
las famosas gárgolas y quimeras que vigilan a los visitantes desde la fachada.
Pero escribir la
novela no fue lo único que hizo Víctor Hugo para salvar la catedral.
El autor veía a
la arquitectura gótica "como una parte esencial de la historia de
Francia" y creía que estaba amenazada por el barroco.
En 1825, seis
años antes del libro, publicó un folleto titulado "¡Guerra contra los
demoledores!".
"Quién sabe
qué edificios se están construyendo (con la ridícula pretensión de ser griegos
o romanos en Francia, y que no son romanos ni griegos), mientras otras
estructuras admirables y originales están cayendo cuando su único delito es ser
francesas por origen, historia y propósito", dice Víctor Hugo en el texto.
Además, cuando
empezó la restauración de la catedral, Víctor Hugo participó activamente en un
comité de tres personas que supervisó el proyecto.
Y ahora…
Libro Pdf :
Capítulos, ornamentación e ilustración, portada y maquetación realizada por alumnos de 1º, 2º, 3º y 4º de la Eso. Andalucía.
Capítulos, ornamentación e ilustración, portada y maquetación realizada por alumnos de 1º, 2º, 3º y 4º de la Eso. Andalucía.
martes, 9 de abril de 2019
“2001 Odisea en el espacio” de Stanley Kubrick
La Escala de
Kardashov
"Una de las
cosas que siempre encuentro difíciles, una vez que la obra está terminada, es
cuando un periodista o un crítico pregunta: «¿qué estabas intentando decir en
la película?» Sin intentar parecer demasiado presuntuoso con esta analogía, me
gusta responder lo que T.S. Eliot dijo a alguien que le había hecho
esa pregunta. Creo que era acerca de The waste land, una pregunta sobre
qué quería decir con el poema. Él respondió: «quise dar a entender lo que
dije». Si pudiera decir lo mismo de manera diferente, lo habría hecho".
La película, estrenada
a principios de 1968, fue considerada desde 1991 cultural, histórica y significativa
por la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos y preservada en el Nacional
Film Registry. Identificándola como top 10 en ciencia ficción.
Tiene como todo
grandes aciertos que pudieron llevarse a la práctica y también fallos. A pesar
de los años y de tantas películas que se han filmado durante 51 años sigue
siendo de las más aclamadas, difícil de olvidar y que siempre se está
reponiendo.
Con un argumento
que mezcla diferentes facetas no sólo extraterrestre o de ciencia ficción sino
que incluye el devenir humano y el dilema de la inteligencia artificial,
mezclado todo esto con la reflexión sobre la evolución y el sentido de la vida humana
al servicio de “siempre más” .
Fue estrenada en
Cinerama que consistía en filmar con tres cámaras sincronizadas y proyectadas
por medio de tres proyectores de 35 mm trabajando en igual
sincronía, una imagen panorámica, incrementando su detalle y tamaño, sobre
una enorme pantalla de acusada curvatura. El sonido es estereofónico, de siete
pistas, y se encuentra grabado sobre una cuarta banda magnética de 35 mm a la
vez sincronizada con los proyectores.
Kublick Utilizó
la música de Strauss, que por cierto y al fin ya es de dominio público. Y
pensar que nació al final del siglo XIX.
HAL 9000, cuyo
nombre es un acrónimo en inglés de Heuristically
Programmed Algorithmic Computer (Computador algorítmico programado heurísticamente),
es una supercomputadora o superordenador ficticio de tipo mainframe que
aparece en la serie Odisea espacial, iniciada con la novela 2001 A
Space Odyssey escrita por Arthur C. Clarke en 1968. HAL es la
computadora u ordenador de a bordo, encargada de controlar las funciones
vitales de la nave espacial Discovery.
Stanley Kubrick (1928
en Bronx-7 de marzo de 1999)
Wikipedia tiene
una biografía excelente y muy completa. https://es.wikipedia.org/wiki/Stanley_Kubrick
Una de sus frases
favoritas «La tragedia de la vejez no es que uno sea viejo, sino que
sigue siendo joven». Oscar Wilde.
martes, 26 de marzo de 2019
Primavera de Gloria Fuertes
Eres tan cursi
hija
que no hay por dónde cogerte.
Hasta en febrero cuando estás desnuda eres cursi,
adornada de odas y vergeles no digamos.
Primavera,
más que cantarte te han hecho la viñeta ciertos poetas sin agua;
pero a pesar de todo te defiendo,
porque haces retoñar ese geranio,
que se me seca siempre en el invierno.
Gloria Fuertes ((Madrid, 28
de julio de 1917- Madrid ,27 de noviembre de 1998)
Lola J.C
Elkin escribió sobre ella:
Lesbiana (en la
sombra del franquismo), abiertamente feminista, de aspecto varonil y voz ronca,
fumadora empedernida, extravagante en su vestir y hacer, culta, intelectual,
ingeniosa y avanzada para su época. Así era Gloria Fuertes, la poeta —que
no poetisa— o “Mujer de verso en pecho” (como ella misma se
autodenominaba) autora de algunos de los poemas de amor y reivindicación social
y feminista más intensos, profundos y lúcidos de la España del siglo XX.
Más rara que un
perro verde: “la moderna” o “esa chica rara” así se referían a ella sus
propios compañeros, integrantes del innovador movimiento literario de la
posguerra llamado Postismo, en el que la propia Gloria fue
encasillada a pesar de su espíritu solitario y estilo libre.
Me siento sola y
una, como una sola luna
-por ser igual a
todas las mujeres y no parecerme a ninguna-,
me siento sola y
una en mi vacía cuna.
“Quiero ser la
madre de todos los niños del mundo”: Cuando la afable abuelita se comió a
la mujer apasionada.
Ni por su talante
rebelde e inconformista, ni por su personal y comprometida poesía adulta es por
lo que la mayoría la recuerda. Gloria Fuertes alcanzó la fama y pasó
por siempre al imaginario colectivo español por sus poemas infantiles y sus
entrañables lecturas en el programa televisivo Un globo, dos globos y tres
globos.
Una afable
“abuelita” que escribía sencillos y rotundos versos antibélicos para sus
pequeños lectores (Gloria era pacifista hasta la médula), condenada en
vida al estatus de poeta menor por los que desvalorizaban su estilo y
tildaban su humor de banal.
Mucho antes de que Martes y 13 (¿Quién se acuerda
de ellos?) parodiaban su faceta de poeta
de rima facilona, recuerdo difícil de borrar para todo aquel nacido antes de
los 90.
Los juguetes son
para jugar (de verdad)
No para Jugar a Matar (de mentira)
Las pistolas (ni de agua)
El revólver (ni de broma)
La escopeta (ni tocarla)
Los juguetes para todo
Y las armas para nada.
Una joven
que ataviada en pantalón y camisa recorría en moto largas distancias para
llevar la literatura a los pueblos. Está cerca de la mujer que amó con
intensidad la vida sin dejarse deslumbrar por ella.
En esta dicotomía
se encuentra la sustancia de una poeta inclasificable, diferente y especial
tanto en su forma de escribir como de sentir. Humor y sensibilidad no le
faltaron para hablar sobre temas tan sobrios como la guerra, el desamor o el
paso del tiempo. Si unos la recuerdan como la poeta de los niños nosotros la
reivindicamos como la poeta de los “diferentes”. (Para mí, genial)
Yo quisiera haber
sido delineante
o delirante. Safo sensitiva
y heme,
aquí
que soy una perdida
entre tanto mangante.
Lo digo para todo el que me lea,
quise ser capitán, sin arma alguna,
depositar mis versos en la luna
y un astronauta me pisó la idea.
***
Gloria Fuertes nació
en el seno de una familia humilde, su madre, costurera y sirviente; su padre,
portero y conserje.
La menor de nueve
hermanos, seis de los cuales mueren prematuramente, su infancia transcurre en
las bulliciosas calles cercanas a la antigua Plaza del Progreso, donde aprende
el lenguaje coloquial que la caracterizará. Era una niña alegre y extravertida
y desde pequeña quiso escribir, pero la falta de medios la lleva a trabajar
enviando cartas o contando huevos en una fábrica.
Su madre la
matricula en el Instituto de Educación Profesional de la Mujer, donde recibió
la formación que entonces se consideraba necesaria para una futura ama de casa:
cocina, cuidado de niños, corte y confección, etc. Con quince años muere su
madre. La Guerra Civil cambia su vida, la pérdida de su novio y sus propias
experiencias marcan su carácter pacifista.
En 1939 escribe
su primer relato para niños y lo envía al semanario Maravillas, donde es
publicado y desde ahí es donde empieza ya su actividad hacia la literatura que
la hizo famosa más que todos los que se burlaban, entre sus propios compañeros sobre todo, seguramente por la ceguera e ignorancia intelectualoide de los mismos.
domingo, 24 de marzo de 2019
Secretos de "La Primavera" de Botticelli
Cuando tenemos la suerte de contemplar una obra maestra de arte, una pintura, por ejemplo, muchas veces nos quedamos sólo en la estética, admiramos su belleza y nos perdemos en ella ignorando el contenido, ignorando que los significados que encierra o su concepto puede que magnifiquen su grandeza formal.
El artista florentino Sandro Botticelli es mundialmente conocido por las obras que realizó durante el Renacimiento italiano; una de sus pinturas más populares es "Primavera", una celebración alegórica de la estación de las flores representada por una composición de personajes de la mitología.
Es una pintura cargada de simbolismo y preciosistas detalles realizada alrededor de 1480 y que encargó Lorenzo di Pierfrancesco de Medici para regalárselo a su novia; como en "El Nacimiento de Venus", en la "Primavera" se puede ver todo el interés de Botticelli por la iconografía católica romana y la mitología griega y romana.
Detalle de Venus y cupido
En el centro del conjunto aparece Venus con el típico atuendo de Florencia del siglo XV; está situada debajo de su hijo, Cupido, símbolo del amor, que apunta con su arco hacia las Tres Gracias que, en la mitología, representan el placer, la castidad y la belleza, aunque se cree que estas identidades, que históricamente se les han otorgado, en el cuadro de Botticelli no están claras.
Detalle de las Tres Gracias
A la izquierda de las Tres Gracias se encuentra Mercurio, el Dios del Comercio, que está usando su caduceo o bastón, para alejar un grupo de nubes grises; también conocido como el Mensajero de los Dioses, va vestido con un casco y unas sandalias con alas y parece estar ajeno al resto del conjunto.
Detalle de Mercurio
Detalle de Flora, Céfiro y Cloris
En el lado derecho aparecen tres personajes; Céfiro, Cloris y Flora.El eje temático de toda la composición está en estos tres personajes; Flora fue una vez la ninfa Cloris, la pureza que exhalaba flores al respirar y, esta dualidad se representa en las dos mujeres; cuando Cefiro, el Dios del Viento, se enamoró apasionadamente de ella, la siguió y la convirtió en su esposa por la fuerza.
Céfiro, arrepentido por su comportamiento, la transforma en Flora y le entrega como regalo un hermoso jardín en el que reinará eternamente la Primavera.
Aunque, originariamente, las dos obras más emblemáticas de Botticelli no se realizaron para ser vistas como un díptico, "Primavera" y "El nacimiento de Venus", a menudo, se estudian y analizan juntas, y es que existen relaciones y paraleslismos evidentes entre las dos pinturas.
El genio realizó "El nacimiento de Venus" en 1486, pocos años después de terminar "Primavera" y en ambos casos, empleó pintura al temple y usó, aproximadamente, la misma escala y las mismas medidas.
En ambas piezas aparece una Venus como eje central sobre el que se genera una o varias escenas alrededor.
En "Primavera", el estilo de la diosa es relativamente gótico, la postura es estática, y aparece vestida; en cambio, en "El nacimiento de Venus", está en movimiento y desnuda, más humana y terrenal.
Ambas obras se pueden contemplar en la Galería Uffizi, ya que ambas están expuestas en la famosa Sala Botticelli.
Fuente: Cultura Inquieta
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